Títulos de libros ficticios que expresan exactamente lo que sientes y quieres

El original compendio incluye títulos de filosofía, de autoayuda y extensos tratados sobre los sentimientos.

Los títulos de los libros definen, y a veces resumen, una infinidad de cuestiones humanas –y no tan humanas–. Existen buenos títulos y malos títulos: los que no dicen nada o dicen todo; así como también existen los títulos que son una abierta invitación a la lectura, mientras que otros nos repelen inmediatamente.

Realmente es increíble cuánto puede comunicar un título: cuántas metáforas puede contener y cuantas dudas puede despertar. ¿Es la levedad del ser insoportable? ¿Realmente el coronel no tiene quien le escriba? ¿Por qué una comedia es divina? ¿Quién es ese Don Quijote?

Pero pocos títulos nos confrontan tan directamente como los que creó Johan Deckmann, un artista que vive en Copenhague y que vio la fuerza expresiva que puede tener un título, pese a ser tan sintético –o quizá, precisamente por eso–.

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Deckmann creó una serie de libros con títulos ficticios que en realidad expresan emociones que todos hemos sentido o pensamientos que todos hemos tenido, demostrando cuán poderosa puede ser esa síntesis del lenguaje que caracteriza a los títulos.

Este original trabajo es además una meticulosa creación, pues Deckmann pintó y encuadernó los libros a mano. Pero quizá la característica más singular –y adorable– es cómo el tamaño de los libros está vinculado con el mensaje del título, lo que hace de la espacialidad otra forma de expresión en esta obra.

Cabe mencionar que Deckmann es también practicante de psicoterapia, lo cual lo ha aproximado al uso del lenguaje y lo ha hecho ver cuán complejas se vuelven las ideas durante las terapias. Quizá por eso decidió usar el lenguaje con con la ironía confrontativa que caracteriza a esta obra.

Pero mejor mira tú mismo un poco más de esta interesante propuesta –y ve con cuántos títulos te identificas–:

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Este artista danés es el perfecto ejemplo de cómo el arte contemporáneo es compatible con la conciencia social

Olafur Eliasson inyecta su trabajo con una conciencia universal que catapulta el arte fuera de sus confines normales y desafía la forma en que habitamos el mundo.

Para Olafur Eliasson, el arte puede cambiar el mundo con su intensidad. O quizás, ayudarlo a que esté en una habitación con el ministro de energía de Nigeria y así contribuir a alfabetizar a cientos de niños y niñas en situaciones precarias.

Mientras que algunos artistas de su rango son conocidos por sus superegos, el altruismo es el rasgo dominante en el arte de Eliasson.

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Su arte se deriva de una práctica sincera en la que colabora con expertos en diversos campos para crear piezas destinadas a proponer intervenciones críticas dentro de los sistemas sociales existentes, un esfuerzo que está diseñado para inspirar el debate y nuevas percepciones, o para detonar el cambio.

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En su más reciente trabajo, Objets définis par l’activité (Objetos definidos por actividad), se reúnen una selección de 18 obras que resaltan, juntas y por separado, la investigación de Eliasson sobre el tiempo, la percepción, el espacio, el movimiento y la relatividad de la realidad. El artista explica en la revista Wallpaper:

Nuestra percepción del mundo es fácil de engañar: quiero revelar los trucos, destacar la forma en que los medios o los políticos abordan erróneamente ciertos asuntos. Quiero que actúen como defensores de la transparencia.

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Libro de recetas vegetarianas del Studio Olafur Eliasson

Con cada trabajo, Eliasson le pide a las personas que incorporen plenamente su experiencia humana a una conexión con la esfera pública más amplia, según afirma para el New York Times:

Cuando combinas datos con acciones, comienzas a influir en el espectador: más tarde se convierte en el productor de su propia realidad en lugar de ser la víctima de ella. ¡Todo mi trabajo se basa en el proceso de convertir un ‘pensamiento’ en ‘hacer’!

Eliasson se ha convertido en un líder progresivo en el tipo de pensamiento creativo que cuestiona la forma en que los individuos perciben la cultura, la comunidad y el entorno natural que les rodea.

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Su obra más famosa hasta la fecha es The weather project, para el cual el Turbine Hall del Tate Modern de Londres se convirtió en un gigantesco solárium artificial que en el transcurso de 6 meses atrajo a 2 millones de visitantes, que a menudo se sentían obligados a acostarse en el piso, deletreando mensajes políticos con sus cuerpos o simplemente mirándose a sí mismos y a los demás en el espejo del techo.

Muchas de las obras de Eliasson son así: irrupciones de lo elemental en un entorno de museo, como si el edificio hubiera tenido alguna fuga mítica.

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Eliasson cree que en la vida cotidiana tenemos una tendencia a apresurarnos y vivir en modo de piloto automático, y rara vez cuestionamos nuestras creencias más profundas. Al hacernos gozar de los sentidos, el arte puede hacernos más conscientes de nuestras posiciones en el tiempo, el espacio, la jerarquía, la sociedad, la cultura y el planeta. A largo plazo, esta conciencia intensificada dará como resultado un cambio positivo en el ámbito emocional, social y político.

Eliasson tiene 90 personas trabajando para él. 4 días a la semana, todos comen juntos un almuerzo vegetariano saludable en el comedor lleno de luz. Se dice que puedes notar cuánto tiempo ha trabajado alguien en el Studio Olafur Eliasson sólo por la notable mejoría en su salud. El año pasado, el Studio publicó su propio libro de recetas vegetarianas sostenibles.

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Little Sun

El mundo del arte subestima su propia relevancia cuando insiste en permanecer siempre dentro de su órbita. Tal vez uno puede tomar algunas de las herramientas, metodologías y ver si se puede aplicar algo fuera del mundo del arte.

Después de que adoptaron a dos niños de Adís Abeba, Eliasson y su esposa, la historiadora del arte Marianne Krogh Jensen, comenzaron 121Ethiopia, un proyecto que trabaja para mejorar las vidas de los niños en los orfanatos de Etiopía.

Little Sun es otra empresa filantrópica de Eliasson y se dedica a la producción de lámparas LED de energía solar, lo suficientemente livianas como para llevarlas colgadas del cuello en un cordón. Su objetivo: alfabetizar a comunidades en África.



El movimiento del aire: un diálogo precioso entre artes escénicas y video mapping (VIDEO)

Nuevas tecnologías digitales diseñan los escenarios de las artes escénicas contemporáneas. Esta vez, el “movimiento del aire” le da un matiz especial.

El dueto de Adrien M y Claire B alzó el telón para dejar al espectador ante esta sofisticada proyección donde las tecnologías más frescas y las artes escénicas danzan en un mismo lienzo. La puesta en escena lleva por nombre Le mouvement de l’air (El movimiento del aire) y contiene un sugerente mensaje: hacer visible lo invisible.

Este espectáculo es el viaje de un aliento, el aterciopelado de una voz que nos guía en un sueño despierto donde el umbral de lo imposible se ha evaporado.

La presentación es una delicada danza al ritmo del aire. Tres bailarines son acompañados de un velo digital que combina diferentes texturas lumínicas, todas ellas sugiriendo la capacidad de los movimientos humanos para dominar lo que ocurre visualmente frente al espectador, casi como por arte de magia.

De hecho, el mapeo y proyección digital se realizó a partir de la interacción humana, es decir, lo que ocurría en ese momento en el escenario era resultado del movimiento de los bailarines captado por una interfaz, misma que generaba las proyecciones sobre los personajes en escena.

“El video ocurre en tiempo real gracias a un set de algoritmos, la luz y los proyectores utilizados”, señaló Adrien. “Las imágenes de ninguna manera son pregrabadas”, agregó. De manera que esta puesta en escena es tan real como cualquier otra.

Una atmósfera de efecto ingrávido y quizá y hasta un poco de vértigo produce el solo acto de observar esta producción; un exitoso matrimonio entre música, danza y lienzo digital. Adrien M y Claire B exploran desde hace tiempo las posibilidades de introducir tecnología en las artes escénicas, y este es un extraordinario ejemplo.

Mira un extracto de cómo fue la puesta en escena: